Frank Waln, artiste hip-hop, compte des rimes de la réserve

Ayant déjà figuré sur les chaînes Vocalo de WBEZ et MTV Musique rebelle, Le rappeur de Sicangu Lakota, 26 ans, Frank Waln apporte une marque unique de hip-hop encadrée à travers la perspective d’un homme de Sicangu Lakota. Frank s'est assis avec nous pour parler de son parcours depuis la réserve de Rosebud dans le Dakota du Sud jusqu'à sa participation à MTV, à la production d'art selon une perspective autochtone et à la fidélité de son histoire.

Vous avez grandi dans la réserve de Rosebud dans le Dakota du Sud. Les réservations sont conçues pour être isolées et isolées géographiquement et culturellement. Avez-vous été exposé à beaucoup de hip-hop en grandissant?

Pour ma génération, il y en avait. J’y ai beaucoup pensé ces derniers temps, en particulier avec la plate-forme que j’ai actuellement, et aussi pour mieux comprendre les relations entre les Noirs et les Indiens, et les Indiens Noirs. Essayer de vraiment réfléchir à la raison pour laquelle le hip-hop a tellement résonné, avec beaucoup d'Autochtones de ma réserve. Nos parents ont grandi sur le country et le rock, mais ma génération - moi, tous mes cousins ​​- écoutait le hip-hop.

En regardant mes propres expériences, une grande partie du tirage au sort était la représentation. À cette époque, nous n'avions personne, aucun autochtone à la télévision que nous puissions admirer. Les autochtones que nous avons vus à la télévision étaient tellement stéréotypés, tellement façonnés par le regard blanc que nous allions le voir et nous nous regardions nous-mêmes et nos familles et disions: «Ce n’est pas moi, ce n’est pas nous.

Quand j'ai commencé à écouter du hip-hop - c'était avant Internet - la musique que je consommais était transmise à des personnes que je connaissais. Mes cousins ​​plus âgés écoutaient toutes sortes de hip-hop: des morceaux de la côte ouest, de la côte est, voire de Houston, au Texas, de labels indépendants. J'y repense et me demande comment cela nous est arrivé.

Une fois que j'ai commencé à écouter cette musique, les sujets dont parlent ces artistes étaient des choses que je pouvais comprendre. Je grandissais dans une communauté de couleur pauvre et, même si nous étions isolés, il y avait beaucoup de parallèles. Nous avons donc tous été attirés par ces histoires et ces artistes, car cela nous représentait tellement plus que Hollywood, les Indiens que nous avons vus à la télévision et toutes ces conneries stéréotypées. La musique hip-hop était plus proche de notre vérité que tout ce que nous avions.

Qui étaient tes influences musicales?

C’est particulièrement une chanson, «One Mic» de Nas, qui m’a vraiment enthousiasmé à l’idée de faire de la musique hip-hop. Quand j'ai entendu cette chanson, j'étais comme «Homme, je veux faire ça. Je veux faire ce genre de choses. Je veux parler de cette façon. »Il commentait sa communauté, mais disait également« nous pouvons créer un changement », ce qui était vraiment puissant pour moi. Outkast aussi, parce qu'ils faisaient de la musique très honnête, pas seulement les paroles et les rythmes, mais la production.

Et je suis toujours dans la musique que mes parents ont écoutée: Hank Williams, George Strait et Creedence Clearwater Revival. J'écoute toujours ces albums pour une inspiration musicale. Ma plus grande influence, tant en musique qu'en vérité, est un activiste et poète autochtone nommé John Trudell. Son premier album Tribal Voice était-il en train de réciter de la poésie sur des chansons de cérémonie traditionnelles C’est probablement mon album préféré de tous les temps.

Comment s'est passé le processus allant de "Je veux faire cette musique!" À sa création?

Ma génération était la première génération capable de produire de la musique dans notre réserve. Nous venons de l'un des comtés les plus pauvres des États-Unis, il n'y avait donc pas de studios; il n'y avait rien. Mais lorsque j'étais au lycée, la plus grande école de notre réserve a obtenu cette subvention qui fournit à chaque élève un MacBook fourni avec une copie de GarageBand. Maintenant, je ne suis pas allé à ce lycée et je devais économiser pour acheter mon propre MacBook, mais grâce à cette subvention, vous aviez beaucoup d'enfants dans la réserve qui écoutaient du hip-hop, et maintenant, pour le première fois, nous pourrions faire de la musique sur la réservation.

Nous avions toujours des ressources incroyablement limitées, mais nous avions GarageBand et un microphone MacBook. Nous n’avions pas besoin d’un contrat d’enregistrement, ni de conduire cinq heures au studio d’enregistrement le plus proche et de payer les frais de studio que nous n’avions pas. Soudain, au début des années 2000, vous avez eu cette source de tous ces jeunes artistes de hip-hop autochtones dans les réserves de Plains qui pouvaient désormais faire de la musique de chez eux pour la première fois.

Une fois que les médias sociaux sont devenus importants, ils nous ont donné une plate-forme pour partager cette musique. À l'époque, juste pour entrer dans un studio, il vous fallait soit un label, soit quelqu'un que vous connaissez, pour vous donner l'argent ou l'espace pour enregistrer l'album. Et les maisons de disques ne se sont certainement pas précipitées dans les réserves pour recruter des talents. Ainsi, avec les médias sociaux, nous avons pu obtenir une apparence classique sans dépendre de systèmes qui n’ont jamais vraiment eu de place pour nous.

Nous avons parlé d’isolement, et ce que beaucoup de gens ne comprennent pas, c’est que le fait de nous isoler dans les réserves a également pour effet de couper la communication entre les tribus. Autrefois, la communication entre tribus était tellement importante. Les gens ont voyagé et migré; ils ont partagé des connaissances, des histoires et de l'art. Par conséquent, les jeunes artistes autochtones ont également bénéficié des médias sociaux: l’occasion de rétablir les liens entre les communautés, ce qui a été important pour tout notre art. Avant toutes les tournées et MTV, nous avons pu utiliser Facebook pour promouvoir des émissions sur nos réservations.

La musique que vous jouez est-elle maintenant proche de celle que vous avez commencée au début des années 2000, ou a-t-elle traversé des transitions?

C'était totalement des transitions et des phases. Quand nous avons commencé à faire de la musique à la maison, nous nous amusions, mec. Je regarde en arrière et en tant qu'artiste, même si ces premières chansons étaient nulles et que cela me ferait grincer des dents, je devais les écouter. Mes amis et mes cousins ​​et moi avions tellement de plaisir. Imaginez pour la première fois; vous pouvez faire quelque chose, créer quelque chose. Même en entendant votre propre voix. Etre là avec mes amis et mes cousins ​​en train de parler de stupide merde était vraiment excitant. Nous n'avions jamais rien eu de tel auparavant, alors nous écrivions autant de chansons que nous pouvions, tout en nous amusant.

Et puis, j’ai pu économiser assez d’argent pour construire un petit studio dans le sous-sol de mon cousin et former un groupe avec des amis et la famille. C'était moi, mon cousin cadet Colin, mon cousin André Easter, un autre cousin Tom Schmidt et une chanteuse appelée Kodi DeNoyer. Il y avait donc cet incroyable mélange d’influences: Colin et moi étions enfants de rue, André est un mec noir qui se produisait en Virginie avant de passer à Rosebud, Tom, un gosse militaire autochtone noir, et Kodi, une chanteuse lakota, tous apportant différents styles et perspectives. Donc, pour en revenir aux influences, enregistrer avec ces gens a définitivement contribué à façonner mon son et mon style aujourd'hui.

Avant que votre musique ne commence à exploser, vous étiez un étudiant en médecine. Parlez-moi de cette transition.

Dès la fin de mes études secondaires, j'ai obtenu cette bourse vraiment extraordinaire, la bourse Gates-Millennium, et j'avais donc ce billet d'or pour aller à l'université. Je ne pensais même pas que j'allais aller à la fac jusqu'à ce que je reçoive la bourse. Je suis donc partie à l'université Creighton d'Omaha, dans le Nebraska, pour étudier en médecine pendant deux ans. À ce moment-là, j'écoutais un peu ce que tout le monde autour de moi disait. D'où je viens, peu de gens vont à l'université, alors tout le monde se disait «Frank, c'est ta chance. Soyez médecin, soyez avocat, revenez nous aider, aidez votre peuple. ”

Je voulais absolument aider, je voulais absolument être un guérisseur pour moi-même et pour ma communauté, et à l'époque, j'étais le seul moyen d'y parvenir. Alors, je me suis fait préméditer pendant deux ans et je me suis en quelque sorte épuisé; J'ai réalisé que la médecine n'était pas ma passion. La musique était, alors je suis retourné au rez pendant un an et je viens de décider de tout mettre en musique pour trouver comment utiliser cela comme un outil de guérison et d’aide.

Après un an, j'ai décidé de retourner aux études au Columbia College Chicago, où j'ai finalement obtenu mon diplôme. J'ai commencé à côtoyer d'autres artistes de couleurs, qui m'ont aidé à comprendre exactement comment utiliser la musique pour non seulement raconter mon histoire, mais aussi pour utiliser la musique comme moyen de guérison. En fait, c’est cette incroyable professeur, une femme noire nommée Claudette Roper, qui a été la première personne à me montrer que mon histoire valait quelque chose et que ma vérité était puissante. Ses conseils et son mentorat ont changé ma carrière et ma vie.

Vous avez mentionné l'importance de la représentation. Votre récent succès s'accompagne-t-il d'un sentiment accru de pression ou de responsabilité?

C’est pendant cette période à Columbia que j’ai vraiment commencé à prendre conscience de ma responsabilité de dire ma vérité et de raconter mon histoire. J'ai eu de la chance: les gens ont commencé à faire attention. J'essaie de rester très attentif. Je suis un artiste non signé, je suis l'un des enfants les plus pauvres du Dakota du Sud et l'une des réserves les plus pauvres du Dakota du Sud. Ici, je suis interviewé par Playboy et je joue sur MTV. Personne n’a jamais fait cela auparavant, et je suis très attentif à cela. Je suis attentif à chaque pas en avant, parce que je suis dans des eaux inconnues, alors je fais très attention à la façon dont je représente à cet égard.

Au fur et à mesure que ma plateforme avance, je veux toujours faire mieux.Comment puis-je créer de la meilleure musique, comment améliorer les performances, comment améliorer la guérison? Trouver de meilleurs moyens de forger ma vérité et ma vérité et mon histoire de manière à ce que des personnes extérieures à ma communauté puissent aussi se comprendre. Je veux toujours faire une chanson ou faire une performance qui va bouleverser la communauté des autochtones, mais aussi du rock en Allemagne.

Vous avez tourné aux États-Unis et en Europe au cours de la dernière année. Voyez-vous une différence dans la façon dont vous êtes reçu maintenant que votre public devient plus diversifié?

Eh bien, je vais commencer par dire que nous faisons exactement la même chose, que nous soyons au rez-de-chaussée, dans une université américaine ou en Allemagne. Notre performance est très similaire à celle des conteurs VH1. La narration est très importante pour moi en tant que personne, les autres artistes avec lesquels je joue, ainsi que ma propre culture; les Lakota sont de grands conteurs. Donc, je fais beaucoup de contextualisation entre les chansons; C’est la raison pour laquelle j’ai écrit cette chanson, c’est d’où je viens. Donc, si je joue au rez-de-chaussée pour des enfants autochtones, la contextualisation sera différente de celle d’un spectacle en Allemagne, mais l’ensemble sera le même.

En ce qui concerne la réception… c’est sauvage, nous recevons de l’amour où que nous soyons. L'amour est différent en fonction de l'endroit où nous sommes. Je commence tout juste à sortir la musique d’un pays indien et, maintenant que j’ai fait les tournées à travers le pays et que j’ai été en Europe, je commence vraiment à le traiter pour la première fois.

À la maison, l’amour est plus profond… et peut-être que amour n’est pas le bon mot, c’est peut-être une appréciation Surtout des enfants autochtones. Ils comprennent ce que je vis et je comprends ce qu’ils vivent. Donc, pour eux de voir quelqu'un qui vient du même combat, qui fait ce qu'ils aiment, tout en restant fidèle à ce qu'ils sont en tant qu'enfant Lakota depuis une réserve, cette appréciation a tendance à être plus profonde. C’est chez moi, alors ça me garde centré. Si je rentre chez moi et que les gens me disent «Yo, qu'est-ce que tu fais? Vous n'êtes pas le même Frank! De quoi parlez-vous dans votre musique? »Cela me ferait savoir que je dois me regarder moi-même et comprendre comment je me suis éloigné de mon chemin.

En dehors du pays indien, les gens apprécient beaucoup la musique et la perspective. Beaucoup de gens n'ont jamais entendu parler de notre histoire. Ils n’ont jamais vu un spectacle de danse autochtone combiné à cette histoire percutante. Quand on joue, on laisse tout sur la scène, mec. Je pleure presque tous les soirs sur la scène; C’est là que j’ai laissé échapper toute la rage, toutes les frustrations, toutes les douleurs. C'est donc une performance très puissante. Je pense que les non-Autochtones ont tendance à être très reconnaissants de cette perspective et que celle-ci a été présentée de manière percutante et honnête.

Et c’est là que la musique et l’art sont vraiment géniaux. Par exemple, je pourrais m'asseoir sur scène et lire des séries de politiques américaines, mais si je peux faire une chanson dans laquelle je raconte comment cette politique a eu pour résultat un événement spécifique qui a été traumatisant dans ma vie, et faire passer l'émotion à travers la performance. et que le public ressente cette émotion, c’est beaucoup plus percutant. Et les gens partout l'ont apprécié. l’histoire et l’émotion, en prenant la vérité autochtone qu’ils ne connaissaient peut-être pas beaucoup, et en la rendant réelle, quelque chose qu’ils peuvent ressentir. Et je suis reconnaissant pour cette opportunité.

Votre musique vient assurément d’un point de vue autochtone, mais vous avez également pu, en tant qu’artiste indépendant, encadrer la production de l’art d’un point de vue autochtone.

Au fur et à mesure que ma plate-forme se développe, j'essaie d'encadrer la perspective autochtone, même dans la façon dont je définis le terme «succès». Je fais partie de ce collectif d'artistes autochtones appelé Guerriers de rêve, fondée en partie par une incroyable femme autochtone nommée Tanaya Winder. Elle est éducatrice, poète, artiste et rédactrice en chef pour un magazine littéraire entièrement consacré aux femmes de couleur et, à présent, ma directrice. Ainsi, avec elle et deux autres artistes hip-hop autochtones qu’elle dirige: Mic Jordan dans le Dakota du Nord et Tall Paul à Minneapolis, nous avons formé un collectif. Nous n’avons pas besoin de jalousie, nous n’avons pas besoin de nous battre pour une «place», nous n’avons pas besoin de boeuf… nous devons travailler ensemble. Pour nous, une grande partie de la définition du «succès» consiste à savoir comment nous pouvons nous élever les uns les autres et offrir des opportunités à d'autres artistes.

En tant que collectif, nous avons décidé de prendre une petite partie de chaque performance et de la placer dans un fonds de bourses d’études destiné aux aînés des écoles secondaires autochtones qui souhaitent explorer l’art dans l’enseignement supérieur. Nous voulons pouvoir faire participer d’autres artistes, même si la musique n’est pas leur support. Nous avons même formulé la bourse d’un point de vue autochtone: nous n’avons pas dit: «Votre art doit être ceci, ceci ou cela», nous avons demandé aux candidats de nous dire comment ils définissent leur art. La première année de candidature, nous avions trois candidats: deux plasticiens et un chef. Pour moi, c'était vraiment génial, que cette jeune femme ait vu la cuisine comme son art. C’est une vision très autochtone de la cuisine et des arts: cuisiner, nourrir son peuple, c’est l’amour

Du point de vue historique autochtone, «l’art» n’est pas aussi compartimenté que dans le monde occidental. Pour moi, tout, de la chasse au buffle à la mise en place d'un tipi était considéré comme une forme d'art. C’est une question d’amour et de communauté, et pour moi, exprimer cela, quelle que soit sa forme, est un art qui doit être chéri et élevé. Donc, de notre collectif, nous essayons non seulement de faire de la musique, mais aussi de rapporter des opportunités d’un point de vue autochtone.

Que voulez-vous que les gens retiennent de votre musique?

Honnêteté. C’est tellement énorme, tant sur le plan personnel que musical. Que ce soit des autochtones vivant dans une réserve et connaissant les histoires que je raconte, ou des non-autochtones qui n’ont jamais entendu parler de ces perspectives dans leur vie, je veux que les gens puissent ressentir l’honnêteté de ma musique. Ainsi, où que vous soyez, vous pouvez dire "OK, ce gars raconte mon histoire!" Ou "Même si je ne connais pas cette perspective, il n’ya aucun moyen que je soutienne qu’il ne dit pas sa vérité!"

** Que vous réserve-t-il en 2016?"

Nous ferons des spectacles partout aux États-Unis et au Canada au cours des prochains mois. Plus tard ce mois-ci, nous serons à SXSW, à la Lehigh University et au One Nation Film Festival au Colorado. Je viens de faire une résidence d'artiste à l'Université du Delaware en avril et au début du mois de mai. Je vais faire de la sensibilisation sur le campus, mais je vais surtout travailler dans un hôpital pour enfants avec un musicologue et un musicothérapeute et explorer la guérison de la musique avec des enfants à l’hôpital. C’est un moyen de continuer à apprendre et de s’améliorer. On a vraiment l'impression que c'est un cercle complet - de la pré-médecine à l'utilisation de la musique comme outil de guérison pour les autres en milieu hospitalier. Je suis très heureux d’avoir cette opportunité.

Bien sûr, la grande nouvelle est que je vais sortir mon premier album solo plus tard cette année. C'est appelé Tokiya, qui est le mot lakota pour «première création». Une partie importante de mon histoire et de celle de ma communauté est la façon dont notre langue et notre culture ont été retirées du processus de colonisation et de génocide. J'ai jeté un regard critique sur le cadre de vie de notre peuple - la narration, la musique, la langue, essentiellement la façon dont nous vivions nos vies, parce que c'est un art pour moi. Cet album va être quelque chose de spécial, il s’agit de renouer des liens avec ma culture et ma maison, de guérir moi-même et également dans l’optique plus large de Lakota.

Je travaille avec une tonne de grands artistes de chez moi et du monde entier. Ce sera une grande paix artistique sur le plan musical, ainsi que la manière dont il est présenté dans la perspective autochtone, dans laquelle je suis très critique en tant qu’artiste. Je ne suis jamais vraiment satisfait de ce que j’ai publié. senti ce bien sur tout ce que j'ai jamais fait.