La carrière de David Bowie a défié la narration, déplacé de temps en temps, a transcendé la description de poste du "musicien pop"

David Bowie - l'inimitable chanteur / compositeur né au Royaume-Uni qui a constamment et irrévocablement changé et prédit l'avenir de la musique populaire au cours d'une carrière d'un peu moins de 50 ans - est décédé hier soir d'un type de cancer non divulgué. Son attaché de presse a expliqué qu'il souffrait de symptômes de la maladie depuis un an et demi.

La tragédie est survenue alors que les critiques tournaient encore pour son 25e album, Étoile Noire, une sortie de sept chansons longues et flexibles, qui méritent d’être mises en échec par son meilleur travail. La nouvelle arrive comme un éclair aveuglant, forçant le livret étrangement sinistre et sentimental de l’album - aussi beau et mystérieux qu’il n’ait jamais écrit - prend un nouveau sens. Un rapport de Tony Visconti, collaborateur et producteur de Bowie, confirmant sa carrière, confirme que ce rideau final était voulu par Bowie. Le son de l'album - et l'aspect de ses clips vidéo associés surréalistes - présente une permanence riche et étrange qui en fait une fin parfaite et déchirante pour l'une des carrières les plus remarquables de l'histoire de la musique enregistrée. C’est une déclaration hors du temps et éternelle qui ne sonne pas tout à fait comme le futur ou le passé, mais qui est bien faite de lui-même et non forcée.

Il est difficile de réduire une carrière aussi multivalente - et certainement une vie personnelle lourde et sans fin - enchevêtrée - en un plan clair. En effet, il semblait toujours que Bowie regardait vers la prochaine chose quand il était au milieu d’un autre, essayant de brouiller les lignes et d’élargir le récit.

L'étincelle qui a déclenché sa carrière est venue lorsque le jeune Bowie - né en 1947, David Robert Jones - s'est intéressé au théâtre tout en essayant de se distinguer comme l'un des nombreux musiciens britanniques du milieu à la fin des années 1960, lorsqu'il de ses compatriotes Anglo rock 'n' rollers expérimentaient encore avec des reprises de reprises de blues. Le dieu rock androgyne extraterrestre et le commentateur social tordu Ziggy Stardust - réalisés au fil des albums de 1972-1973 Ziggy Stardust et les araignées de Mars et son suivi plus progressif et tentaculaire Aladdin Sane - est le résultat d’une série de thèmes liés au voyage dans l’espace et à l’aliénation qui l’a aidé à percer au Royaume-Uni en 1969 avec son premier hit «Space Oddity». Sur ces albums, il synthétise les sensibilités folk et rock plus dures de son film. Les deux premiers albums créent un son extrêmement dramatique et extraverti qui évoque l’impression «d’opéra rock» avant que le terme n’existe.

"Glam Rock" - le terme utilisé pour décrire ce que Bowie a fait dans la première moitié des années 1970 - serait le premier mais pas le dernier mouvement musical qu’il aiderait à définir accidentellement. S'il avait présidé le punk avec Lou Reed, une «reine salope» de 1971, de Au poil et «Rebel Rebel» de 1974 Chiens de diamant quelques années plus tard, Bowie se demandait où la musique serait dans les lendemains de ce genre. Il a mélangé des sections rythmiques inspirées par le disco avec une atmosphère brumeuse, un jazz d’avant-garde et de la musique concrète sur son inimitable «trilogie berlinoise», parmi les œuvres expérimentales les plus appréciées et les plus durables de l’histoire du rock’n’ roll.

Une grande partie de cette musique a imaginé le son de la discothèque mutante du «centre-ville de New York» et du no-wave du début des années 80 avant qu’il n’existe. Le son était l’extension tordue de la période où Bowie passait à absorber le funk aux yeux bleus avec des albums comme Jeunes américains Au milieu des années 70, il a ensuite joué son rôle de «Duc blanc mince», influencé par Weimar-cabaret. Sous ce déguisement troublant, il a couru la controverse la plus célèbre de sa carrière en jouant avec Fascist. symbolique et a réalisé l'un des albums les plus brillants d'un artiste qui a ensuite prétendu ne pas s'en souvenir: ce chef-d'œuvre de la transition datant de 1976 Station à station.

Un mélange de musique électro-pop sophistiquée et de musique de club entièrement fonctionnelle a conduit Bowie - qui voulait être à la fois enraciné et absorbé dans le monde de la musique pop de l'époque de MTV et ailleurs, dans un univers d'expérimentation complète - à la hauteur de succès commercial international dans les années 80. Avec 1983 Let’s Dance album, son attitude, son groupe de soutien au crack - peu de chefs de groupes de rock étaient aussi résolus et minutieux que Bowie - et l’écriture musicale impeccable de cette période distinguait Bowie de ses contemporains pop travaillant dans le même style.

Sa carrière d'acteur à cette époque le rendit encore plus omniprésent, cédant plusieurs rôles excellents, allant d'un tour de vampire vieillissant à Tony Scott en 1983. La faim à son rôle emblématique de Jareth le roi gobelin dans le véhicule fantastique Jim Henson sur le champ gauche Labyrinthe.

David Bowie a toujours été inspiré par quelqu'un, et cela faisait toujours partie de ce qui le rendait si pertinent. Il n’existait jamais de risque d’une personnalité musicale aussi forte et aussi bien formée que Bowie n’arrive à créer quelque chose que l’on pourrait qualifier de «dérivé». Des diagnostics post-mortem autoréférentiels de musique ancienne et d’autres alter-égos sont apparus au cours de sa carrière (« Ashes to Ashes ») ou des morceaux plus évasifs (« Les jolies choses vont en enfer »de 1999); Celles-ci ont toujours semblé presque comme des moyens de faire le point sur lui-même, de sorte qu'il ne perdrait jamais de vue ce qu'il était en train de créer. Il a inventé l’idée du redémarrage constant stylistique et basé sur la personnalité, tout en précisant qu’obscurcir sa personnalité musicale fondamentale - ou même renverser ses instincts clairs - était toujours une erreur.

Bowie est revenu à une ligne de base de musique «rock» assez simple tout au long de sa carrière et a rarement abandonné complètement les formes typiques de la musique pop. Malgré tout, il n’arrêtait jamais d’écouter ce qui se passait autour de lui et de le tirer à toute volée. Dans les années 90 et au début des années 2000, les préoccupations de Bowie étaient le breakbeat electronica et finalement la musique industrielle. Il a mélangé les sensibilités gothiques et avant-pop de l'un de ses héros depuis la fin des années 1970 - le reclus Scott Walker, dont il a couvert «Nite Flights» en 1993 - le skronk jazz et d'autres références disparates. Comme d'habitude, tout cela ne ressemblait à personne.

Après une interruption de 11 ans de l'enregistrement en studio est venu Le lendemain, un retour convaincant et bien conçu à la médiane de Bowie-ism. Cela semblait être le début d’un tout nouveau vecteur dans la carrière de Bowie: l’ancien homme d’État faisant quelque chose de plus subversif que de se reposer sur des lauriers, sans rien faire d’imprévisible. Au cours des deux années suivantes, l’annonce de la comédie musicale Lazare et le Étoile Noire L’album semblait indiquer que Bowie était sur le point de faire un autre essai dans ses 60 ans, lui rendant un peu du son de sa musique tout au long des années 70, ainsi qu’un nouveau type d’avant-gardisme sombre et assourdi qui lui semblait inconnu. dans son catalogue.

Sachant maintenant que Bowie était, pour une grande partie de la fabrication de Étoile Noire, chercher une conclusion appropriée est à la fois douloureusement triste pour ses fans et nous rassure de voir que sa dernière missive, concise, était si puissante et si concertée. Selon Visconti, les choses se sont déroulées conformément au plan final de Bowie. Mais cela ne fait pas que cette perte soit moins aberrante et déchirante. L’influence chaleureuse de Bowie s’étend toujours à tous les genres de musique populaire et au-delà, et il est difficile d’imaginer une époque où ce ne sera pas le cas.